Def Leppard und Motley Crue at Wrigley Field: Songs und Gitarren-Hooks waren alle da, aber einige dieser Jungs altern besser als andere

Das Haar war kürzer, aber die Haken in Arenagröße, die vor Jahrzehnten dazu beitrugen, Def Leppard und Motley Crue zu den Grundnahrungsmitteln zu machen, wurden am Freitagabend im überfüllten Wrigley Field prominent ausgestellt.

Obwohl die Mehrheit ihrer langjährigen Kollegen seit langem auf Jahrmärkte und kleine Vereine reduziert ist, haben es beide Teams geschafft, mehr Zeit durchzuhalten und die Kritik auf dem Weg zu einer der größten Runden des Jahres zu überstehen. Die Ankunft jeder Gruppe mit einer Schubkarre aus unverwechselbaren Liedern und der Glaubwürdigkeit der Populärkultur tat nicht weh. Es war auch nicht der Wunsch der Öffentlichkeit, in Nostalgie zu schwelgen – oder in langen Schlangen zu warten, um die Art von T-Shirts zu ergattern, die während der zweiten Amtszeit von Ronald Reagan im ganzen Land als Highschool-Uniformen dienten.

Im Einklang mit der aktuellen Mode sowie dem Interesse an älteren Shows wie „Stranger Things“ auf Netflix ist der Appetit auf Rock aus der Blütezeit von MTV groß. Ursprünglich für den Sommer 2020 geplant und aufgrund der Pandemie verschoben, hat die Stadiontournee mit 36 ​​Terminen – zu der auch Poison und Joan Jett gehören – bereits mehr als 1,1 Millionen Tickets verkauft. Die Timing-Verzögerung funktionierte tatsächlich für Def Leppard. Die British Warriors, die aktivste Studioband der Band, veröffentlichten im Mai ihr erstes neues Album („Diamond Star Halos“) seit fast sieben Jahren. Zu ihrer Ehre widmete Def Leppard fast ein Viertel ihrer 90-minütigen Sammlung modernen Materialien.

Der professionelle Opportunist Mötley Crüe hat vor 14 Jahren einen neuen Rekord aufgestellt. Aber die Rocker aus Los Angeles einigten sich darauf, sich wieder zu vereinen und wieder auf Tour zu gehen, nachdem ihre Autobiografie „The Dirt“ – ursprünglich veröffentlicht im Jahr 2001 – in den Netflix-Film von 2019 aufgenommen wurde. Dies zwang das Quartett, die sogenannte „Touristeneinstellung“ zu brechen Vereinbarung“, die sie zuvor vor ihrem angeblichen Rücktritt und ihrer letzten Show im Jahr 2015 unterschrieben hatte. Wie sich herausstellte, hat die Musik der 80er mehr Durchhaltevermögen als ein legaler Vertrag.

Im Nachhinein hätte Motley Crue vielleicht umdenken müssen. Verständlicherweise sahen die ursprünglichen vier Mitglieder, die nach einer übertriebenen Einführung, die von kehlenwürgendem Schwefelrauch unterbrochen wurde, auf die Bühne kamen, nicht mehr wie ihr böser Junge aus. Aber die Zeit wirkte sich fatal auf die Fähigkeiten der Band aus. Ironischerweise scheint sich das ältere Mitglied, Gitarrist Mick Mars, am wenigsten verändert zu haben. Dünn, blass und ruhig sah er immer noch aus wie ein Vampir, der gerade in einem Sarg aufgewacht war. Mars hielt sich hauptsächlich an Schatten und führte seine Teile mit einer Effizienz aus, die oft als Klebstoff diente, der die Melodien zusammenhält.

Wenn überhaupt, überspielte sein Instrumental, Schlagzeuger Tommy Lee und Bassist Nicky Six. Immer wieder produzierte das Duo ein überwiegend schlammiges Rumpeln auf dem Bass, das die Züge der Songs verschlang und den Mix mit einer undeutlichen Ähnlichkeit sättigte. Sie haben mehrere bekannte Songs verlangsamt, darunter das glanzlose „Don’t Go Away Mad (Just Go Away)“ und das glanzlose „Looks That Kill“. Sie unterdrückten die Frechheit und wandten sich von der Musik ab, die einst Passanten mit einer übertragbaren Krankheit zu infizieren drohte, wenn sie sich ihr näherten. Mötleys Crüe-Bash-and-Crash-Stil diente auch als Verkleidung für Vince Neils rockigen Gesang, der schon viel bessere Tage gesehen hat.

Neil herumlaufen zu sehen war genauso unangenehm, wie ihm beim Singen zuzuhören. Während der Strophen versäumte er es oft, den Lärm seiner Kollegen zu zeigen. Oder er gab einfach auf und entschied sich dafür, das Mikrofon von seinem Mund weg und in Richtung Publikum zu halten. Unfähig oder nicht bereit, sich von einem langweiligen Gang zu trennen, fehlte es ihm an Enthusiasmus in der gleichen Weise, wie er Motley Crue wegen der Chemie schaden würde. Für Neal war die Gruppe von achtzig Minuten eine lästige Pflicht, eine Aufgabe, die man übergehen musste, und keine Gelegenheit zur Unterhaltung. Sein wenig schmeichelhafter Gesang bei Favoriten wie „Home Sweet Home“ und seine Vorliebe, für eine Pause von der Bühne zu gehen, werfen Fragen auf.

Tatsächlich kamen die wenigen Energieschübe nicht von dem inzwischen gezähmten Neil oder SixX, sondern von drei Background-Sängern/Tänzern, die mehreren Chören das schwere Heben abnahmen. Das sogenannte Trio der „schlechten Gewohnheiten“ – wie die meisten lustigen Mötley Crüe-Gerichte – forderte alle Vorstellungen aus der #MeToo-Ära heraus. Sie liefen in freizügiger Kleidung und auffallend provokativen Posen herum und gaben der Truppe massiven Auftrieb. Ihre Anwesenheit unterstreicht auch, wie andere einprägsame Verzierungen – hydraulische Türme, Feuerwerk, Laser, Nebel und die schlecht beratene Wiedergabe von „The Dirt (Est. 1981)“, das eine grobe Werbung für den Netflix-Film der Band war – eine sein sollen Ablenkung.

Neben fetten Marsfelsen trug er das Trio „Dr. Feelgood“ und „Girls, Girls, Girls“. Aber nichts verbirgt die Tatsache, dass die Band die Fans gebeten hat, viele Lücken mit Erinnerungen zu füllen.

Def Leppard wählte eine andere Strategie. Das Quintett – zu dem drei Originalmitglieder sowie die Gitarristen Phil Colin und Vivienne Campbell gehören, die seit Jahrzehnten in der Band sind – hält es dank einer riesigen Bühne einfach. Def Leppard sorgte für eine Kulisse aus hohen Leinwänden, einer erweiterten Drum-Lift-Plattform und luxuriöser Beleuchtung, übersprang den Schnickschnack und konzentrierte sich auf die Musik. Obwohl sie ihre größten Hits in der Vergangenheit erkannten, schienen sie eine Band zu sein, die es immer noch genoss, zusammen zu spielen. Was ihm an Geschicklichkeit und Haltbarkeit fehlte, macht er mit Balance, Kontrolle, Schärfe und Spaß wieder wett.

Es überrascht nicht, dass sich die Gruppe stark auf Material ihrer Blockbuster-LP „Hysteria“ stützte, die dieses Jahr ihr 35-jähriges Bestehen feiert. Anstatt den Bewegungen zu folgen, nahmen Sänger Joe Elliott und seine Kohorten Songs wie Jingles auf, die es wert sind, behandelt zu werden – mit Akkorden, die sich meilenweit erstrecken, Lead-Vocals, Lead-Harmonien, straffe Beats und klare, lebendige Vocals hervorrufen.

So poppig wie jedes Genre und nicht schüchtern, ihren Stil mit eingängigen Melodien, funkelnden Tönen und coolen Beats zur Schau zu stellen, streifte Def Leppard die sinnlichen Kurven von „Animal“ genauso brillant wie sie das filmische Drama in „Love Bites“ bewältigte. Die Gruppe ehrte künstlerische Einflüsse und simulierte eine Countdown-Feuersequenz auf „Rocket“, bevor sie sich beruhigte, um eine Mischung aus Vorfreude, Angst und Lust über „Hysteria“ zu kanalisieren -Antwortaustausch, um eine Einladung zum Tanz zu kanalisieren.

Obwohl geringfügig, verdankt Def Leppards einziger Ausrutscher seinem Tempo in der Mitte des Konzerts. Die Band versammelte sich in der Mitte der Bühne für ein halbleitendes Mini-Set, das auf „Have You Needed Some Bad So Bad“ basierte, nahe der Menge, stoppte ihren Schwung und gab den Leuten Ausreden, um auf die Toilette zu rennen. Eine Handvoll neuer Songs – „Kick“ von Singalong, das gebleichte „Fire It Up“ und das rassige „Take What You Want“ – schneiden besser ab und passen in die extravagante Pop-Rock-Form der Gruppe. Beeindruckenderweise waren die „Diamond Star Halos“-Picks die einzigen Songs, die nach 1993 für Def Leppard gespielt wurden.

Glücklicherweise erkannte die Gruppe ihre Wurzeln in der neuen Welle des britischen Heavy Metal mit einer Version an, die von der Force-Ballade „Bringin‘ on the Heartbreak“ von 1981 inspiriert war, und schloss sich „Switch 625“ an, das in einer kurzen Single von Schlagzeuger Rick Allen gipfelte. Auch beim dröhnenden „Pour Some Sugar on Me“ fand sich der einarmige Perkussionist mitten im Geschehen wieder. In einer Umgebung, in der Live-Musik zum Blühen gebracht wurde – einem Stadion – erhielt die überlastete Doppelklammer ihren gebührenden Verdienst und fühlte sich genauso massiv an wie ursprünglich im Jahr 1987. Und das ist keine Täuschung.

Bob Gendron ist freiberuflicher Musikkritiker.

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